Poppy est une artiste très singulière et polymorphe, aimant mélanger les genres. Si elle a aujourd’hui une reconnaissance grandissante de ses pairs dans le milieu metal et qu’elle est à l’affiche de grands festivals tels que le HellFest, ses débuts en étaient très éloignés. Revenons ensemble sur un parcours aussi atypique que l’artiste elle-même.

I am Poppy

J’ai entendu parler de Poppy pour la première fois dans l’émission 56Kast N°86 diffusée sur la défunte chaîne NoLife. Dans cette émission du 2 novembre 2016, Camille Gévaudan, accompagnée d’Erwan Cario, y parlait des « youtubeuses creepy ». L’épisode étant disponible sur YouTube, je vous laisse le découvrir ci-dessous. (Si vous ne voulez pasregarder toute l’émission, la section concernant Poppy se trouve vers 32 minutes).

Pour remettre les choses dans leur contexte et comme l’expliquait Camille, à cette époque, Poppy était une Youtubeuse mystérieuse qui publiait des contenus très cryptiques, suscitant beaucoup d’interrogations. Les vidéos étaient filmées dans un décor très épuré et Poppy semblait être une sorte d’androïde sans émotion qui répétait des phrases telles que « I am Poppy«  et posait des questions étranges. A cette époque on commençait à comprendre que ceci était visiblement lié à un projet musical mais aucun album n’était encore sorti.

3:36 (Music to Sleep To)

En 2016, sort un album intitulé 3:36 (Music to Sleep To). Celui-ci peut cependant être vu comme une petite parenthèse avant le lancement du véritable projet musical. En effet, ce projet expérimental est composé de nappes sonores atmosphériques, et, comme son nom l’indique, il est conçu pour aider son auditeur à dormir. La voix de Poppy semble par ailleurs être totalement absente des enregistrements.

Il aurait été créé en collaboration avec un certain neuroscientifique nommé Dr Maxwell Ramsay, mais mes recherches ne m’ont pas permis de trouver la moindre information sur cette personne, ce qui me laisse de gros doutes sur le sérieux et/ou l’existence même de ce prétendu scientifique. Mon avis personnel est qu’il s’agit d’un personnage fictif, inventé par le producteur pour donner un semblant de crédibilité au projet. Mais nous reviendrons sur le producteur un peu plus loin.

Poppy.Computer et Am I a Girl?

En 2017, le véritable projet musical de Poppy démarre avec Poppy.Computer, un album mélangeant pop et musique électronique aux sonorités expérimentales. L’ambiance est légère, enfantine et futuriste, à l’image des vidéos YouTube de Poppy. La chanteuse reste dans son rôle de poupée robot dépourvue d’émotion aussi bien sur l’album que dans ses clips et lors des interviews.

Am I a Girl?, l’album suivant, arrive en 2018. Bien que contenant encore des morceaux pop et électro, il amorce déjà une transition vers des sonorités plus rock et metal.

L’affaire Mars Argo : révélations gênantes sur le producteur derrière le projet Poppy

Si le fait que le projet Poppy avait été initié par le producteur Titanic Sinclair n’était pas un secret, certaines révélations en 2018 vont venir entacher sa réputation. Cette année-là, une artiste nommée Mars Argo porte plainte contre lui et dévoile un point gênant : Poppy ne serait pas une création originale !

Quelques années auparavant, Titanic Sinclair avait déjà créé un personnage similaire avec Mars Argo. Mais leurs relations s’étant rapidement détériorées, leur collaboration a pris fin. Mars Argo l’accuse alors d’avoir volé des éléments de leur travail pour les réutiliser dans le projet Poppy et aussi de l’avoir manipulée, contrôlée et harcelée.

Une comparaison entre les vidéos de Mars Argo et celles de Poppy sorties plus tard ne laisse que peu de place au doute. D’autre part, certaines vidéos de Poppy, qui prises hors contexte semblaient juste étranges, ressemblent à des messages d’intimidation adressés à Mars Argo lorsqu’on connaît cette affaire. Rien, en revanche, ne permet d’affirmer que Poppy en avait conscience à l’époque, étant donné qu’elle suivait de près les directives de Titanic Sinclair.

En 2019, Poppy coupe les ponts avec Titanic Sinclair et dénonce son comportement toxique, ce qui vient confirmer les accusations de Mars Argo.

L’émancipation artistique de Poppy

Avec I Disagree (2020), Poppy s’affirme pleinement en tant qu’artiste et se détache définitivement de son image de produit formaté. Cet album marque un tournant important, non seulement par son message d’indépendance, mais aussi par son mélange explosif de genres. On y retrouve des influences metal, industrielles et électroniques, mêlées à des mélodies pop accrocheuses et des moments plus expérimentaux.

La chanson-titre, I Disagree, illustre parfaitement cette transition avec des passages hargneux et saturés, suivis de refrains aériens et enjoués. Les paroles semblent directement adressées à Titanic Sinclair, dénonçant une relation oppressive et une volonté de reprendre le contrôle de son art :

I disagree with the way you continue to pressure me
I disagree with the way you are failing to pleasure me
I disagree, everything you believe is a tragedy
I disagree with the way you keep preaching insanity

Soit en français :

Je ne suis pas d’accord avec la façon dont tu continues à me mettre la pression
Je ne suis pas d’accord avec la façon dont tu échoues à me satisfaire
Je ne suis pas d’accord, tout ce en quoi tu crois est une tragédie
Je ne suis pas d’accord avec la façon dont tu prêches sans cesse la folie

Si I Disagree est une belle réussite et lui ouvre les portes du public metal, son style va encore évoluer et s’affiner dans les albums suivants.

Avec Flux (2021), Poppy s’éloigne du metalcore et de l’expérimentation extrême de I Disagree pour proposer un son plus rock alternatif, lorgnant vers le grunge et le punk. L’album est plus homogène, avec une production plus organique et une approche plus mélodique.

Puis, en 2023, Zig marque un retour à une esthétique plus agressive, tout en explorant des textures industrielles et électroniques plus poussées. Ce projet la rapproche davantage d’un son cybernétique et chaotique, flirtant avec l’hyperpop, un sous-genre de la pop qui amplifie volontairement ses éléments les plus artificiels : voix hautement modifiées, distorsions numériques, rythmiques déconstruites et expérimentations sonores extrêmes.

Un style unique et hybride

Difficile d’étiqueter précisément Poppy tant elle fusionne les influences. Son style évolue entre plusieurs courants :

– Metal alternatif / Metal industriel : On retrouve dans ses morceaux des sonorités mécaniques et abrasives, avec des riffs lourds et une production froide et clinique.
– Rock alternatif / Grunge / Punk : Flux montre son attrait pour des sons plus bruts et moins produits, avec une énergie plus directe et viscérale.
– Hyperpop et expérimentation électronique : Certains morceaux, notamment dans Zig, adoptent une approche plus déconstruite, avec des glitchs, des textures numériques et une exagération volontaire des codes de la pop moderne.

C’est cette hybridation qui fait de Poppy une artiste à part, capable de séduire autant les fans de musique extrême que ceux attirés par l’expérimentation pop.

Poppy : l’artiste pop devenue sensation du metal

Si les métalleux dans la vie, sont bien éloignés de l’image qu’ils peuvent renvoyer, il faut tout de même admettre qu’ils sont souvent réfractaires aux musiques plus populaires. Poppy est pourtant parvenue à se faire une place dans le milieu et joue aujourd’hui sur scène dans des festival metal. Il faut dire que l’artiste est capable de passer d’une petite voix fluette à des screams qui n’ont rien à envier aux cadors du genre !

Pour finir et comme complément, voici la deuxième partie de la vidéo présentée un peu plus haut concernant l’affaire Mars Argo. Cette deuxième partie ne concerne plus l’affaire mais se concentre cette fois sur l’artiste Poppy :

Le site officiel de Poppy : https://impoppy.com/

Boutique :

I Disagree
(2020)

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I DIsagree (More)
(2020)

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Flux
(2021)

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Zig
(2023)

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Negative Spaces
(2024)

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L’article Poppy : du produit marketing à l’émancipation d’une artiste authentique est apparu en premier sur STEPH 6128.

Peter Gabriel est un auteur-compositeur-interprète britannique, né le 13 février 1950. Il débute sa carrière musicale en 1967 en tant que membre fondateur du groupe Genesis, où il occupe la place de chanteur, qu’il quittera en 1975, laissant la place vacante à Phil Collins. Producteur de disques par le biais de son label Real World, il est, depuis de nombreuses années, impliqué dans différentes associations humanitaires. Le magazine Time l’a nommé comme « l’une des 100 personnes les plus influentes de la planète » en 2008. Il est aussi membre d’honneur du Club de Budapest.

Après son départ du groupe, Peter Gabriel, suite à des tensions au sein du groupe dues à sa personnalité trop envahissante, commence à composer ses propres chansons. Solsbury Hill est le premier morceau à sortir et précède la sortie de son premier album, intitulé Car.

Composé de 9 titres, le premier album de Peter Gabriel s’appelait Peter Gabriel, mais il fut par la suite appelé Car, en référence à la pochette du disque représentant le chanteur au volant d’une voiture sous la pluie. L’album paraît en 1977 chez Charisma, on retrouve bien évidemment son premier tube Solsbury Hill, reflet de l’état d’esprit du chanteur au moment de sa séparation avec Genesis. Le disque est produit par Bob Ezrin, producteur de l’album de Lou Reed, Berlin. L’album reçoit le grand prix du disque de l’Académie Charles Cros en 1977.

Puis, dans la foulée, le chanteur publie l’année suivante l’album Scratch (La Déchirure), en référence à la couverture, qui n’est autre qu’une photo de l’artiste retouchée de manière à donner l’impression que ses doigts déchirent la couverture de l’album. Il est produit par Robert Fripp, principalement connu comme le fondateur du groupe de rock progressif King Crimson. Composé de 11 titres, cet album clôt la trilogie entamée par le producteur. La chanson Exposure, présente sur cet album, est une pièce composée par Robert Fripp qu’il proposera à Peter Gabriel pour son second opus.

Avec cet album, Peter Gabriel offre à son public une musique plus sombre et surtout des sonorités nouvelles, précurseur de la world music. À cette époque, il est un chanteur engagé avec des titres comme Games Without Frontiers, critique du nationalisme, ou le fameux Biko, titre hommage à Steve Biko, leader contre l’apartheid en Afrique du Sud, torturé et assassiné en 1977. Avec cet opus, le chanteur commence vraiment à se démarquer.

Le quatrième opus de Peter Gabriel, comme ses prédécesseurs, n’avait pas de nom, et le chanteur, par hasard, a décidé de lui donner le nom Security, en référence à l’enveloppe plastique qui apparaissait quand on ouvrait le disque pour la première fois. C’est à la demande de Geffen Records, sa maison de disques aux États-Unis, suite au départ de Peter Gabriel d’Atlantic Records, qu’il a été obligé de trouver un nom pour ses albums, la compagnie en exigeant un pour chacun d’eux. On retrouve sur cet album la chanson Shock the Monkey, sortie en single et qui remporta un certain succès auprès du public.

Plays Live est le cinquième album du chanteur et paraît en 1983. C’est son premier album live. Un double album composé de 16 chansons. La particularité de ce disque live est qu’il contient un inédit, le morceau I Go Swimming, réalisé au cours de sa tournée mondiale de 1980.

Ces quatre premiers disques du chanteur nous donnent un aperçu de son talent en tant qu’artiste solo, affranchi du groupe Genesis. Peter Gabriel parvient, avec ses différents enregistrements, à imposer un univers foisonnant d’originalité, où il laisse libre cours à son imagination. Un artiste hors norme, qui, quelques années plus tard, explosera dans les charts avec son album So, sorti en 1986. Un artiste que nous vous conseillons de découvrir ou de redécouvrir avec délectation.

Le site officiel de Peter Gabriel : https://petergabriel.com

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Car
(1977)

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Scratch
(1978)

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Melt
(1980)

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Security
(1982)

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Plays Live
(1983)

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Sélection de clips des débuts de l’artiste :

L’article Peter Gabriel : Reportage sur les débuts de l’artiste est apparu en premier sur STEPH 6128.

Anton Corbijn est un photographe originaire de Hollande-Méridionale, né le 20 mai 1955 à Strijen. Réalisateur de plus de quatre-vingt clips pour les plus grands artistes internationaux comme U2 ou Depeche Mode, il diversifie son activité en se tournant ces dernières années vers le cinéma. On lui doit notamment un des derniers films dans lesquels apparaît Philip Seymour Hoffman, Un homme très recherché, sorti en 2014.

Le photographe :

Il prend ses premières photos à dix-sept ans avec l’appareil de son père, lors d’un concert du groupe néerlandais Solution. Il envoie ses premiers clichés à un journal local, qui les publie. Encouragé, il persévère dans cette direction et réussit à se frayer une place dans le monde de la musique, où il va réaliser d’incroyables choses pour les plus grands. David Bowie, Keith Richards, Mick Jagger, Paul McCartney, Kate Bush, tous sont passés devant son objectif.

En 1979, après avoir travaillé pour le mensuel musical Oor, il arrête ses études de photographie à La Haye, quitte les Pays-Bas et part vivre à Londres pour rencontrer le groupe Joy Division, qu’il réussit à photographier, avec Ian Curtis au premier plan.

Le magazine New Musical Express (NME), un journal hebdomadaire considéré comme une référence par les spécialistes, le recrute comme photographe.

Fidèle collaborateur du groupe Depeche Mode (décors de tournées, pochettes d’albums, affiches, vidéos), Anton Corbijn photographie aussi les stars du grand écran, comme Martin Scorsese, Robert De Niro, Johnny Depp ou encore Steven Spielberg, mais aussi des stars de la mode comme Naomi Campbell, pour qui il réalise le clip Love and Tears.

Le réalisateur de clips :

Dans les années 80, il se lance dans la réalisation de clips vidéo et impose son empreinte dans le milieu en signant une des premières vidéos du groupe U2, (Pride) In The Name Of Love (Third version) en 1984, Atmosphere de Joy Division en 1988, My Friends des Red Hot Chili Peppers en 1995, et presque tous les clips de Depeche Mode.

C’est à lui qu’on doit l’idée de la couronne portée par Dave Gahan dans le clip Enjoy The Silence, qui au départ n’enchantait guère le chanteur. Une vidéo qui est aujourd’hui entrée dans la postérité.

Dans les années 2000, il réalise les vidéos de Coldplay, Talk en 2005 et Viva La Vida (second version) en 2008, et plus récemment Reflektor d’Arcade Fire (2013) et bien évidemment le dernier clip de Depeche Mode, Where’s the Revolution, paru en 2017.

Boutique :

1-2-3-4
(livre – 2015)

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A propos de cet ouvrage :


Depuis les années 1970, le photographe et réalisateur Anton Corbijn collabore avec de nombreux groupes de musique.
Certaines de ses photos ont marqué la carrière de ces musiciens.

Pour cet ouvrage, Corbijn s’est replongé dans ses archives et a sélectionné plus de 350 photographies d’Arcade Fire, Depeche Mode, Metallica, Nirvana, R.E.M., des Rolling Stones, U2, Nick Cave, Johnny Rotten, Siouxsie Sioux, Tom Waits… Cette sélection présente à la fois des portraits emblématiques et plus méconnus de Joe Cocker, David Bowie, Johnny Cash, Grace Jones, Courtney Love, Morrissey, Neil Young. En 1980, Corbijn a aussi brièvement suivi les Slits, groupe de punk rock féminin, au cours de l’une de leurs tournées. Ce reportage est dévoilé ici pour la première fois.

Cet ouvrage est publié à l’occasion de l’exposition rétrospective  » Anton Corbijn 1-2-3-4  » qui se tiendra au Fotomuseum à La Haye du 21 mars au 21 juin 2015. Plusieurs textes, dont un d’Anton Corbijn, mais aussi des chanteurs et groupes qu’il a fréquemment photographiés – Bono, Michael Stipe, etc. -, accompagnent les photographies.

Les clips réalisés par Anton Corbijn :

(Cette liste est non exhaustive)

Le cinéaste :

Le photographe-vidéaste se lance depuis dix ans dans le long-métrage, toujours en rapport avec la musique, en réalisant Control en 2007, un biopic sur Ian Curtis, le leader du groupe anglais Joy Division, son groupe de rock préféré et grâce auquel toute cette aventure a commencé.

Trois ans après, il s’attèle à la réalisation d’un thriller avec The American (2010), une adaptation du roman A Very Private Gentleman de Martin Booth, avec George Clooney. Il livre son troisième long-métrage, le film d’espionnage Un Homme très recherché, dans la même veine que son précédent film, avec un casting de choix : Rachel McAdams, Robin Wright et le très regretté Philip Seymour Hoffman.

Les films réalisés par Anton Corbijn :

Control (2007) :

Linear (2009) :

The American (2010) :

A Most Wanted Man (Un homme très recherché) (2014) :

Life (2015) :

Le site officiel d’Anton Corbijn : https://antoncorbijn.com/

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Nom de l’exposition : David Bowie Is
Lieu : Philharmonie de Paris
Dates : du 3 mars au 31 mai 2015
Site officiel de David Bowie : https://www.davidbowie.com/

David Bowie Is – Découverte de l’exposition :

Après avoir débuté à Londres, fait escale à Berlin, Toronto et même Chicago, l’exposition David Bowie Is s’est arrêtée à Paris du 3 mars au 31 mai 2015. Elle a attiré plus de 200 000 fans en France, à la Philharmonie de Paris, et vient de fermer ses portes. L’exposition a franchi, dans l’Hexagone, le cap du million de visiteurs.

« David Bowie est… impressionné par la façon dont vous avez calculé votre coup pour réussir à être le millionième. Bien joué ! », a écrit le chanteur à un enseignant de Niort, proclamé millionième visiteur de l’exposition. Retour sur cette exposition événement.

Ce qu’il faut savoir, c’est que David Bowie conservait tout et stockait, dans un entrepôt à Londres, près de 175 000 objets amassés tout au long de sa carrière, dont certains étaient présentés dans l’exposition.

Avant de plonger dans cet univers, une certaine préparation s’imposait. Pour partir à la découverte du chanteur caméléon, il était fortement conseillé de réserver ses places à l’avance, l’accès se faisant par créneau horaire d’une heure. La foule était compacte ce samedi soir, lorsque l’équipe de RockThisWeb est partie à la rencontre de la star. Débarrassés de tout superflu vestimentaire, il fallait patienter, même munis d’un billet ! L’affiche de l’exposition, représentant David Bowie arborant le célèbre éclair de la pochette d’Aladdin Sane, imposait d’emblée une présence. Bowie était là, c’était indéniable. L’épopée promettait d’être rapide et intense. On nous équipait d’écouteurs, qui diffusaient une musique parfaitement synchronisée avec notre avancée dans l’exposition. Et nous pénétrions enfin dans l’antre du héros.

La célèbre tenue de scène, dessinée par le couturier Kansai Yamamoto, nous accueillait et nous transportait dans un monde à part : celui de David Bowie. Le premier espace était dédié à ses débuts. On y découvrait les pensées du jeune homme, ses rêves de célébrité clairement affichés, ses ambitions, et sa première passion pour le mime.

Le chanteur sortait son premier 45 tours en 1964 sous le nom de David Jones With The King Bees. Il n’avait alors que 17 ans. Bowie, avec sa magnifique chevelure d’adolescent, faisait partie d’un curieux club revendiquant le droit des hommes à cheveux longs de ne pas les couper. Dans cette section, on voyait un jeune Bowie poser ses premières marques, guitare en main. L’artiste se cherchait encore, mais annonçait déjà son désir de devenir une superstar. Une fois ce constat fait, il était temps d’évoluer vers d’autres lieux et d’autres époques…

Ground Control to Major Tom se faisait entendre, et nous étions embarqués, sans nous en rendre compte, dans une Space Oddity. L’affiche du film de Stanley Kubrick, 2001, l’Odyssée de l’espace, n’était pas loin, tout comme le stylophone avec lequel Bowie avait composé la chanson. Hypnotisés, nous étions presque immobiles, essayant de réaliser ce qui venait d’arriver. L’homme venait de marcher sur la Lune, et nous avions envie d’y rester. Mais ce n’était que le début…

Plus loin, la tenue que portait Bowie à Top of the Pops en 1972 s’imposait. L’émission, où il chantait Starman, était diffusée en arrière-plan. Ce moment marqua l’histoire du rock et bouleversa des milliers, voire des millions d’adolescents. Personne n’avait vu quelque chose de semblable auparavant. La prestation était saisissante, presque sacrée.

Un couloir nous menait ensuite au cœur du Soho des années 1960. La veste d’Alexander McQueen réalisée pour la pochette de l’album Earthling captait tous les regards. La scénographie était sublime. Les cahiers, s’élevant tel un envol d’oiseaux, et le kimono déployé de Kansai Yamamoto faisaient écho à la créativité exubérante du chanteur.

Les partitions de Bowie occupaient un coin, tandis que de vieux vinyles attendaient d’être manipulés. Au centre, un espace retraçait sa carrière musicale à travers ses albums. Ce sanctuaire nous permettait de reprendre notre souffle avant d’avancer vers ses nombreuses tenues de scène, exposées verticalement et horizontalement, témoignant de son excentricité légendaire.

Un autre espace, dédié à Bowie et le cinéma, rassemblait des objets emblématiques : la perruque d’Andy Warhol dans Basquiat, le sceptre de Labyrinth, ou encore des éléments de The Man Who Fell to Earth. La polyvalence de l’artiste fascinait.

La fin de l’exposition approchait. Un mur d’écrans diffusait en boucle ses clips, tandis que les notes de Life on Mars? résonnaient. Devant le costume vert amande du clip, le temps semblait suspendu.

Enfin, le parcours se terminait par un espace dédié aux années berlinoises, qui avaient redonné une nouvelle inspiration à l’artiste. La scénographie, reprenant les lignes du métro berlinois, rendait hommage à cette période marquante. L’album Heroes et ses résonances avec le mur de Berlin incarnaient l’essence même de Bowie.

En quittant les lieux, une salle de concert virtuelle nous transportait dans l’univers live de l’artiste. Les visiteurs, émus, savouraient ce moment final, avant de repartir avec des étoiles plein les yeux.

En chiffres, l’exposition David Bowie Is avait accueilli 312 000 mélomanes à Londres, 146 500 à Toronto, 80 000 à São Paulo, 151 000 à Berlin, 193 000 à Chicago, et plus de 200 000 en France. Avec 1,1 million de visiteurs, elle poursuivait sa tournée mondiale, prouvant que, même après plus de 50 ans de carrière, David Bowie restait une icône intemporelle.

Vidéo de présentation :

L’article David Bowie Is : Reportage sur l’exposition à la Philharmonie de Paris est apparu en premier sur STEPH 6128.