Titre : Lullaby
Titre original : Колыбельная
Compositeur : Isaak Dunaevsky
Date de sortie : 10 juillet 2025
Date de sortie du clip : 24 juillet 2025
Date de sortie du film : 1936
Le site officiel d’Alina Dunaevskaya : https://alina-dunaevskaya.com/

Sortie le 10 juillet 2025 sur les plateformes de streaming audio, Lullaby est une réinterprétation d’une composition d’Isaak Dunaevsky, le grand-père d’Alina.

Isaak Dunaevsky est un grand compositeur de l’ère soviétique, né le 30 janvier 1900 à Lokhvitsia (Empire russe, aujourd’hui située en Ukraine) et mort le 25 juillet 1955 à Moscou. Issu d’une famille d’artistes, il devint un chef d’orchestre et un compositeur très renommé et extrêmement apprécié. Il reçut plusieurs médailles et distinctions, et fut même surnommé le Mozart russe. En 1936, il composa la musique du film Circus (Цирк), dont est issu le morceau Lullaby (Колыбельная en russe, ou Berceuse en français).

Réalisé par Grigori Alexandrov, le film est une comédie musicale qui raconte l’histoire de Marion Dixon, une femme blanche américaine ayant fui les États-Unis avec son enfant en raison de la ségrégation raciale, celui-ci étant né d’un père afro-américain. L’intrigue l’amène à se produire au Grand Cirque de Moscou, d’où le titre du film. C’est l’actrice Lyubov Orlova, très célèbre en Russie, qui interprète le personnage de Marion Dixon, dont le nom est inspiré de Marlène Dietrich.

La scène dans laquelle Lullaby est interprétée dans le film est un moment très poignant, durant lequel l’héroïne chante une berceuse à son enfant pour l’apaiser. C’est tout naturellement qu’Alina a souhaité à la fois rendre hommage à son grand-père et célébrer la naissance de son fils, Louis-Isaak, né le 10 février 2025, en réinterprétant ce classique.

Les plus assidus se souviendront peut-être que Lullaby avait déjà été partagée sur les réseaux d’Alina il y a quelques années, mais sans jamais sortir officiellement sur les plateformes. Par ailleurs, la version diffusée aujourd’hui a été remasterisée.

Inspirée de l’esthétique des affiches de films soviétiques des années 1930, la pochette de Lullaby fait directement référence au film Circus. On y retrouve divers éléments présents sur l’affiche originale : les lions, le thème du cirque, l’héroïne au centre… Le chef d’orchestre représenté en bas, au centre de l’image, est bien entendu un clin d’œil à Isaak Dunaevsky. La typographie a également été choisie en référence à celle de l’affiche du film, et l’on y voit les photos en noir et blanc d’Alina et de son grand-père, concrétisant le lien filial et artistique entre les deux musiciens.

Pour accompagner la sortie officielle de Lullaby, un clip intimiste et fait maison a été réalisé. Il est composé d’images live d’Alina interprétant la chanson, mais aussi de scènes de vie représentant la maternité, le monde de l’enfance et l’héritage familial.

La femme qui apparaît sur les photos de l’album familial est Zoya Pashkova, danseuse et artiste, compagne d’Isaak Dunaevsky et grand-mère d’Alina. Ses photos ont été animées grâce à Deep Nostalgia Ai, un outil proposé par la société MyHeritage permettant de redonner vie à de vieilles photos de famille. L’idée était de lui rendre hommage également et de symboliser une certaine transmission familiale à travers les générations.

Une autre scène montre des jouets qui s’animent grâce à la technique du stop motion. Celle-ci représente l’imaginaire de l’enfance tout en rendant hommage à l’une des plus anciennes techniques d’effets spéciaux du cinéma.

Bien entendu, c’est Louis-Isaak lui-même qui interprète en exclusivité mondiale son propre rôle dans les bras d’Alina. Ces images ont été captées alors qu’il avait entre deux et trois mois, et il a déjà bien grandi depuis !

Le clip est disponible dès à présent sur YouTube.

Le clip :

Traduction des paroles de Lullaby :

Dors, mon petit garçon, doucement, doucement
Dors, mon oisillon, dors, mon bébé
Les jouets dorment, les petits chevaux dorment
Toi seul, tu ne dors pas encore
La lune a déjà jeté un regard à la fenêtre
Quand mon petit trésor s’endormira-t-il ?
Dors, mon petit garçon, dors, mon petit lapin,
Baiou, baiou, baï
La lune erre haut dans le ciel
Les étoiles brillent au loin
Dans cette lumière bleue, si bleue
Où il n’y a ni larmes ni douleur
Le cœur voudrait s’envoler loin du malheur
Les étoiles brillent très haut
Je cacherai mes larmes très profondément
Si je pouvais atteindre de la main
Votre paisible lumière argentée
Les étoiles très loin
Dors, mon petit garçon, endors-toi
Ferme bien tes petits yeux
Dors, mon petit garçon, baiouchki-baiou

Boutique :

A Perfect Lie
(Alina Dunaevskaya & Markize – 2012)

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Transparence
(Alina Dunaevskaya & Markize – réédition 2009)

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Lullaby sur les plateforme de streaming :

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Nom de l’album : Over the Threshold
Artiste : Calva Louise
Date de sortie : 17 novembre 2023
Genre musical : Rock alternatif / Electro-rock / Metal alternatif
Le site officiel de Calva Louise : https://www.calvalouise.com

Over The Threshold : Mon avis sur l’album de Calva Louise :

Calva Louise est un trio formé en 2016 à Londres autour de membres venus d’horizons différents :

– Jess Allanic : chanteuse et guitariste, originaire du Venezuela. Elle est la force créative derrière l’univers visuel et narratif du groupe.

– Alizon Taho : bassiste, originaire de France.

– Ben Parker : batteur, originaire de Nouvelle-Zélande.

Après deux albums très convaincants mêlant grunge et punk (Rhinoceros en 2019 et Euphoric en 2021), le groupe opère un virage vers des sonorités plus metal et électro avec Over The Threshold, sorti en 2023. Cet album très ambitieux est présenté comme le premier volet d’une trilogie, avec cette déclaration d’intention : « chaque chanson représente une étape dans le voyage de prise de contrôle de nos pensées pour transcender les limites des mondes physique et onirique ».

Dans les faits, Over The Threshold est à la fois un concept album et une œuvre de science-fiction. Bien que relativement court (28 minutes pour 8 titres), il n’en est pas moins percutant et marquant. Sur ces huit titres, sept sont accompagnés d’un clip officiel, tous réalisés par Jess Allanic. Le huitième titre étant un instrumental intitulé Outro, on peut considérer que l’album entier peut être vu comme un court-métrage musical, chaque chanson/clip formant un chapitre d’un récit dystopique plus vaste.

Sans entrer dans les détails de l’intrigue, le récit et les visuels peuvent rappeler L’Incal, œuvre majeure de la bande dessinée de science-fiction française scénarisée par Alejandro Jodorowsky et dessinée par Mœbius. On y retrouve les thèmes de l’oppression sociale par les puissants dans un univers mêlant futurisme et onirisme. Visuellement, les clips sont très impressionnants pour une œuvre indépendante. On ressent bien sûr l’aspect numérique, mais il ne faut pas oublier qu’il ne s’agit pas là du travail d’un gros studio, mais de clips « faits maison ». Jess Allanic a un véritable talent pour la vidéo en plus de son talent pour la musique, et elle fait preuve de beaucoup de créativité et de compétences dans le domaine.

Third Class Citizen, le titre d’ouverture, donne immédiatement le ton de l’album. Jess Allanic y exprime sa révolte contre l’oppression, alternant entre chant clair et hurlements puissants, notamment quand elle scande : « I’m not a fucking third class citizen ». Ces hurlements rappellent certaines mimiques du punk réadaptées en version metal. Cela crée une signature vocale unique qui lui donne une personnalité bien à elle. Niveau composition, c’est très efficace et maîtrisé. Le titre est accrocheur et donne très envie d’être relancé en boucle après une première écoute.

S’ensuit Feast is Over. Tout aussi entraînant et accrocheur, le morceau joue d’un équilibre subtil entre parties mélodiques et parties plus brutes.

Oportunista, le titre suivant, est entièrement chanté en espagnol et est tout aussi puissant que les deux précédents.

Con Corazón, quant à lui, mélange espagnol et anglais et nous plonge dans une ambiance plus mélancolique.

Nous poursuivons avec Square One et son ambiance lourde et oppressante, puis sur Human Becoming qui permet de souffler un peu avant le final éponyme Over The Threshold, très intense. Ce dernier comprend des guitares agressives, des nappes électroniques saturées et est illustré par un clip s’apparentant au grand final d’un film épique. Celui-ci conclut l’album de la plus belle manière.

Un outro ambiant vient refermer l’album avec des nappes électroniques, comme un générique de fin.

Notons la présence d’un bonus track sur la version physique de l’album avec le remix Bobby Wolfgang Remix du titre Third Class Citizen.

Au moment où j’écris ces lignes, le second volet de la trilogie est prévu pour juillet 2025. L’album s’appelle Edge of The Abyss et plusieurs titres ont déjà fait leur apparition, accompagnés de clips. Cela s’annonce très prometteur et j’ai très hâte de le découvrir dans son intégralité.

Tracklist de Over The Threshold :

1. Third Class Citizen
2. Feast Is Over
3. Oportunista
4. Con Corazón
5. Square One
6. Human Becoming
7. Over The Threshold
8. Outro

Boutique :

Rhinoceros
(album – 2019)

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Euphoric
(album – 2021)

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Over The Threshold
(album – 2023)

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Edge of The Abyss
(album – 2025)

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Les clips :

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Poppy est une artiste très singulière et polymorphe, aimant mélanger les genres. Si elle a aujourd’hui une reconnaissance grandissante de ses pairs dans le milieu metal et qu’elle est à l’affiche de grands festivals tels que le HellFest, ses débuts en étaient très éloignés. Revenons ensemble sur un parcours aussi atypique que l’artiste elle-même.

I am Poppy

J’ai entendu parler de Poppy pour la première fois dans l’émission 56Kast N°86 diffusée sur la défunte chaîne NoLife. Dans cette émission du 2 novembre 2016, Camille Gévaudan, accompagnée d’Erwan Cario, y parlait des « youtubeuses creepy ». L’épisode étant disponible sur YouTube, je vous laisse le découvrir ci-dessous. (Si vous ne voulez pasregarder toute l’émission, la section concernant Poppy se trouve vers 32 minutes).

Pour remettre les choses dans leur contexte et comme l’expliquait Camille, à cette époque, Poppy était une Youtubeuse mystérieuse qui publiait des contenus très cryptiques, suscitant beaucoup d’interrogations. Les vidéos étaient filmées dans un décor très épuré et Poppy semblait être une sorte d’androïde sans émotion qui répétait des phrases telles que « I am Poppy«  et posait des questions étranges. A cette époque on commençait à comprendre que ceci était visiblement lié à un projet musical mais aucun album n’était encore sorti.

3:36 (Music to Sleep To)

En 2016, sort un album intitulé 3:36 (Music to Sleep To). Celui-ci peut cependant être vu comme une petite parenthèse avant le lancement du véritable projet musical. En effet, ce projet expérimental est composé de nappes sonores atmosphériques, et, comme son nom l’indique, il est conçu pour aider son auditeur à dormir. La voix de Poppy semble par ailleurs être totalement absente des enregistrements.

Il aurait été créé en collaboration avec un certain neuroscientifique nommé Dr Maxwell Ramsay, mais mes recherches ne m’ont pas permis de trouver la moindre information sur cette personne, ce qui me laisse de gros doutes sur le sérieux et/ou l’existence même de ce prétendu scientifique. Mon avis personnel est qu’il s’agit d’un personnage fictif, inventé par le producteur pour donner un semblant de crédibilité au projet. Mais nous reviendrons sur le producteur un peu plus loin.

Poppy.Computer et Am I a Girl?

En 2017, le véritable projet musical de Poppy démarre avec Poppy.Computer, un album mélangeant pop et musique électronique aux sonorités expérimentales. L’ambiance est légère, enfantine et futuriste, à l’image des vidéos YouTube de Poppy. La chanteuse reste dans son rôle de poupée robot dépourvue d’émotion aussi bien sur l’album que dans ses clips et lors des interviews.

Am I a Girl?, l’album suivant, arrive en 2018. Bien que contenant encore des morceaux pop et électro, il amorce déjà une transition vers des sonorités plus rock et metal.

L’affaire Mars Argo : révélations gênantes sur le producteur derrière le projet Poppy

Si le fait que le projet Poppy avait été initié par le producteur Titanic Sinclair n’était pas un secret, certaines révélations en 2018 vont venir entacher sa réputation. Cette année-là, une artiste nommée Mars Argo porte plainte contre lui et dévoile un point gênant : Poppy ne serait pas une création originale !

Quelques années auparavant, Titanic Sinclair avait déjà créé un personnage similaire avec Mars Argo. Mais leurs relations s’étant rapidement détériorées, leur collaboration a pris fin. Mars Argo l’accuse alors d’avoir volé des éléments de leur travail pour les réutiliser dans le projet Poppy et aussi de l’avoir manipulée, contrôlée et harcelée.

Une comparaison entre les vidéos de Mars Argo et celles de Poppy sorties plus tard ne laisse que peu de place au doute. D’autre part, certaines vidéos de Poppy, qui prises hors contexte semblaient juste étranges, ressemblent à des messages d’intimidation adressés à Mars Argo lorsqu’on connaît cette affaire. Rien, en revanche, ne permet d’affirmer que Poppy en avait conscience à l’époque, étant donné qu’elle suivait de près les directives de Titanic Sinclair.

En 2019, Poppy coupe les ponts avec Titanic Sinclair et dénonce son comportement toxique, ce qui vient confirmer les accusations de Mars Argo.

L’émancipation artistique de Poppy

Avec I Disagree (2020), Poppy s’affirme pleinement en tant qu’artiste et se détache définitivement de son image de produit formaté. Cet album marque un tournant important, non seulement par son message d’indépendance, mais aussi par son mélange explosif de genres. On y retrouve des influences metal, industrielles et électroniques, mêlées à des mélodies pop accrocheuses et des moments plus expérimentaux.

La chanson-titre, I Disagree, illustre parfaitement cette transition avec des passages hargneux et saturés, suivis de refrains aériens et enjoués. Les paroles semblent directement adressées à Titanic Sinclair, dénonçant une relation oppressive et une volonté de reprendre le contrôle de son art :

I disagree with the way you continue to pressure me
I disagree with the way you are failing to pleasure me
I disagree, everything you believe is a tragedy
I disagree with the way you keep preaching insanity

Soit en français :

Je ne suis pas d’accord avec la façon dont tu continues à me mettre la pression
Je ne suis pas d’accord avec la façon dont tu échoues à me satisfaire
Je ne suis pas d’accord, tout ce en quoi tu crois est une tragédie
Je ne suis pas d’accord avec la façon dont tu prêches sans cesse la folie

Si I Disagree est une belle réussite et lui ouvre les portes du public metal, son style va encore évoluer et s’affiner dans les albums suivants.

Avec Flux (2021), Poppy s’éloigne du metalcore et de l’expérimentation extrême de I Disagree pour proposer un son plus rock alternatif, lorgnant vers le grunge et le punk. L’album est plus homogène, avec une production plus organique et une approche plus mélodique.

Puis, en 2023, Zig marque un retour à une esthétique plus agressive, tout en explorant des textures industrielles et électroniques plus poussées. Ce projet la rapproche davantage d’un son cybernétique et chaotique, flirtant avec l’hyperpop, un sous-genre de la pop qui amplifie volontairement ses éléments les plus artificiels : voix hautement modifiées, distorsions numériques, rythmiques déconstruites et expérimentations sonores extrêmes.

Un style unique et hybride

Difficile d’étiqueter précisément Poppy tant elle fusionne les influences. Son style évolue entre plusieurs courants :

– Metal alternatif / Metal industriel : On retrouve dans ses morceaux des sonorités mécaniques et abrasives, avec des riffs lourds et une production froide et clinique.
– Rock alternatif / Grunge / Punk : Flux montre son attrait pour des sons plus bruts et moins produits, avec une énergie plus directe et viscérale.
– Hyperpop et expérimentation électronique : Certains morceaux, notamment dans Zig, adoptent une approche plus déconstruite, avec des glitchs, des textures numériques et une exagération volontaire des codes de la pop moderne.

C’est cette hybridation qui fait de Poppy une artiste à part, capable de séduire autant les fans de musique extrême que ceux attirés par l’expérimentation pop.

Poppy : l’artiste pop devenue sensation du metal

Si les métalleux dans la vie, sont bien éloignés de l’image qu’ils peuvent renvoyer, il faut tout de même admettre qu’ils sont souvent réfractaires aux musiques plus populaires. Poppy est pourtant parvenue à se faire une place dans le milieu et joue aujourd’hui sur scène dans des festival metal. Il faut dire que l’artiste est capable de passer d’une petite voix fluette à des screams qui n’ont rien à envier aux cadors du genre !

Pour finir et comme complément, voici la deuxième partie de la vidéo présentée un peu plus haut concernant l’affaire Mars Argo. Cette deuxième partie ne concerne plus l’affaire mais se concentre cette fois sur l’artiste Poppy :

Le site officiel de Poppy : https://impoppy.com/

Boutique :

I Disagree
(2020)

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I DIsagree (More)
(2020)

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Flux
(2021)

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Zig
(2023)

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Negative Spaces
(2024)

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Nom de l’album : Pour Nos Vies Martiennes
Artiste : Etienne Daho
Date de sortie : 1er juin 1988
Genre musical : Pop / New wave
Le site officiel d’Etienne Daho : https://www.etiennedaho.com

Pour Nos Vies Martiennes – Mon avis sur l’album d’Etienne Daho :

Après le succès phénoménal de l’album Pop Satori et des concerts à l’Olympia à guichets fermés, la Dahomania est à son apogée. Étienne Daho, animé par le feu sacré de la création, s’attèle à la réalisation de son quatrième album, composé de 10 chansons. L’album est unanimement salué pour ses mélodies entêtantes, comme l’illustre à merveille Bleu Comme Toi, le premier des quatre singles qui sortiront pour l’occasion. Disque d’or dès sa sortie le 1ᵉʳ juin 1988, l’album deviendra disque de platine l’année suivante.

Enregistré entre 1987 et 1988 avec quelques musiciens très talentueux, comme le bassiste Busta Jones, le claviériste David Munday ou le guitariste Xavier Geromini, Étienne Daho confirme avec cet opus qu’il est là pour durer. Des Heures Hindoues succédera à Bleu Comme Toi dans les charts, devenant un classique du chanteur, qui sera illustré par un clip très onirique, inspiré par le peintre Francis Bacon, dont Étienne Daho est un inconditionnel.

Pour Nos Vies Martiennes, disque mélodique et mélancolique, porte Étienne Daho dans une atmosphère qui lui est propre, emplie de sentiments contrastés, comme un kaléidoscope d’émotions qu’il offre à son public. Il proposera d’ailleurs pour ce disque un visuel très cinématographique, hommage à James Dean. La pochette de l’album étant réalisée par Guy Peellaert, très célèbre dans le milieu de la musique pour avoir notamment réalisé la pochette de l’album Diamond Dogs de David Bowie.

Pour Nos Vies Martiennes est aussi un album de rencontres. Car pendant la préparation de son album, Étienne Daho prit des cours de chant avec Armande Altaï, rendue célèbre par la Star Academy, que l’on retrouvera tout naturellement assurant les chœurs sur la version longue du single Caribbean Sea.

Comme pour son album précédent, Étienne Daho partira en tournée et sera à l’affiche du Zénith de Paris, du 20 au 26 janvier 1989. Un concert rempli de l’esprit des années 80, qui clôt en beauté la décennie qui nous a fait découvrir le chanteur. Concert qui sera immortalisé avec son tout premier album live, intitulé simplement Live ED. Double album enregistré à Montpellier pendant le Tour Martien. Il est temps alors pour Étienne Daho, à l’orée des années 90, de préparer la suite de sa carrière.

Tracklist de Pour Nos Vies Martiennes :

1. Quatre Hivers
2. Bleu Comme Toi
3. Caribbean Sea
4. Where’s My Monkey?
5. Affaire Classée
6. Des Ir
7. Stay With Me
8. Le Plaisir De Perdre
9. Musc Et Ambre
10. Winter Blue
11. Des Heures Hindoues

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Mythomane
(album – 1981)

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La Notte, la Notte…
(album – 1984)

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Pop Satori
(album – 1986)

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Pour Nos Vies Martiennes
(album – 1988)

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Live ED
(album live – 1989)

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Paris ailleurs
(album – 1991)

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Daholympia
(album live – 1993)

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Reserection
(EP avec le groupe St Etienne – 1995)

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Éden
(album – 1996)

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Singles
(compilation – 1998)

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Corps et Armes
(album – 2000)

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Daho Live
(album live – 2001)

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Réévolution
(album – 2003)

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Sortir ce soir
(compilation live – 2005)

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L’Invitation
(album – 2007)

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Daho Pleyel Paris
(album live – 2009)

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Les Chansons de l’innocence retrouvée
(album – 2013)

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Diskönoir Live
(album live – 2014)

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L’Homme qui marche
(compilation – 2015)

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Blitz
(album – 2017)

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Surf
(compilation – 2020)

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Le Condamné à mort
(album avec Jeanne Moreau – 2021)

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Tirer la nuit sur les étoiles
(album – 2023)

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Étienne Live
(album live – 2024)

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Les clips :

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Nom de l’album : Roosevelt
Artiste : Roosevelt
Date de sorti : 19 août 2016
Genre musical : Synthpop / Rock / Dance
Le site officiel de Roosevelt : https://www.iamroosevelt.com/

Roosevelt – Mon avis sur l’album éponyme de l’artiste :

Roosevelt est le nom du premier album de Marius Lauber, alias Roosevelt, chanteur d’origine allemande, paru le 19 août 2016 sur le label Greco-Roman/City Slang.

Fort du succès de son premier EP Elliot, acclamé par la critique, le chanteur Roosevelt a continué son ascension en sortant un album composé de 12 titres.

Découvert avec des maxis chez les labels Future Classic (Disclosure) et Greco-Roman (Flume), l’Allemand Roosevelt a accumulé les millions d’écoutes avec ses premières productions.

Pour ce premier album, Roosevelt manie avec virtuosité la Dance Music, le Nu Disco, la Pop et la House avec brio.

Avec ses tubes parés pour le dancefloor, comme l’imparable Fever et l’efficace Colours, Roosevelt est acclamé depuis 2016 par de nombreux médias comme The Guardian, Pitchfork, Boiler Room, Tsugi, Trax, etc.

Inspiré par les eighties, à mi-chemin entre mélancolie et euphorie, cet album est à découvrir d’urgence si vous ne le connaissiez pas.

Tracklist de Roosevelt :

1. Intro
2. Wait Up
3. Night Moves
4. Belong
5. Moving On
6. Heart
7. Colours
8. Sea
9. Daytona
10. Fever
11. Hold On
12. Close

Boutique :

Roosevelt
(2016)

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Les clips :

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Nom de l’album : Bedtime Stories
Artiste : Madonna
Date de sortie : 25 octobre 1994
Genre musical : Pop
Le site officiel de Madonna : https://www.madonna.com/

Bedtime Stories – Mon avis sur l’album de Madonna :

Bedtime Stories est le sixième album de la chanteuse Madonna, paru le 25 octobre 1994. Il succède au sulfureux album Erotica et vient adoucir l’image de la chanteuse américaine. Pour cet opus, Madonna décide de s’entourer des artistes les plus en vogue du moment : Dallas Austin, Dave Hall, Nellee Hooper et Babyface.

Et elle compose avec Björk le titre Bedtime Story. On la taxa pour l’occasion d’opportuniste, mais pour le bien de nos oreilles, on lui pardonne aisément.

Fini les rythmes froids et distants de son album conceptuel Erotica, bien que ce dernier contienne toutefois quelques perles comme le titre Rain. Ici, place aux rythmiques douces et chaleureuses. Ces « histoires de lit » s’écoutent avec un réel plaisir, et on s’y engouffre avec délectation.

Premier point positif, le premier single Secret est un tube en puissance. Ce morceau est très certainement, d’ailleurs, une de ses meilleures chansons. Madonna, ayant appris de ses erreurs passées, propose un disque dans un format plus court, de moins d’une heure, ce qui est foncièrement une très bonne chose dans le monde de la pop.

En collaborant avec Babyface, elle réussit, avec le titre Take a Bow, à battre des records et à classer cette chanson n°1 du hit-parade américain pendant sept semaines, battant son propre record en faisant mieux qu’avec son tube Like a Virgin, qui, lui, était resté six semaines en tête des charts américains.

Mais Madonna ne reniera pas son passé sulfureux pour autant, avec le morceau Human Nature (« I’m not sorry, it’s human nature […] Oops, I didn’t know we couldn’t talk about sex »).

Cet album n’égalera pas les scores fleuves de ventes des années 80, avec ses albums True Blue ou encore Like a Prayer, mais il recevra un très bon accueil des critiques de l’époque. Un album que nous vous encourageons à réécouter et à redécouvrir. Car, sans être son meilleur, il est indiscutablement à un niveau bien supérieur à ses dernières productions. Une Madonna inspirée, qui manque cruellement.

Tracklist de Bedtime Stories :

1. Survival
2. Secret
3. I’d rather be your lover
4. Don’t Stop
5. Inside of Me
6. Human Nature
7. Forbidden Love
8. Love Tried To Welcome Me
9. Sanctuary
10. Bedtime Story
11. Take a Bow

Boutique :

Madonna
(album – 1983)

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Like a Virgin
(album – 1984)

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Bedtime Stories
(album – 1986)

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Who’s That Girl
(bande originale du film – 1987)

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You Can Dance
(compilation – 1987)

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Like a Prayer
(album – 1989)

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The Immaculate Collection
(compilation – 1990)

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Erotica
(album – 1992)

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Bedtime Stories
(album – 1994)

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Something to Remember
(compilation – 1995)

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Evita
(bande originale du film – 1996)

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Ray of Light
(album – 1998)

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Music
(album – 2000)

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GHV2
(compilation – 2001)

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American Life
(album – 2003)

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Remixed & Revisited
(compilation – 2003)

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Confessions on a Dance Floor
(album – 2005)

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I’m Going to Tell You a Secret
(live / documentaire CD + DVD – 2006)

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The Confessions Tour
(album live CD + DVD – 2007)

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Hard Candy
(album – 2008)

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Sticky & Sweet Tour
(album live – 2010)

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Celebration
(compilation – 2009)

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MDNA
(album – 2012)

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Rebel Heart
(album – 2015)

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Rebel Heart Tour
(album live – 2017)

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Madame X
(album – 2019)

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Madame X – Music from the Theater Xperience
(album live – 2021)

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Titre : Wonderful Life
Groupe : Hurts
Date de sortie : 3 mai 2010
Genre musical : Synthpop / new Wave
Le site officiel de Hurts : https://informationhurts.com/

Wonderful Life – Mon avis sur le single de Hurts :

Le groupe Hurts vient de sortir un nouvel album fin septembre. Un petit retour en arrière nous a donc semblé utile, en revenant sur un de leurs premiers tubes, Wonderful Life, qui a véritablement fait décoller leur carrière.

Présent sur leur premier album Happiness paru en 2010, la chanson Wonderful Life parle d’une femme qui fait la connaissance d’un homme un soir sur un pont, sur le point de commettre l’irréparable, et qui en tombe visiblement amoureuse, alors que ce dernier la rejette. Elle lui fait comprendre qu’il ne doit pas renoncer et que la vie peut être merveilleuse s’il continue d’y croire.

Un message plutôt positif, Wonderful Life étant martelé à l’infini tout au long de la chanson. Il est intéressant de constater que sur ce morceau, des sentiments opposés se côtoient : l’auditeur marche comme au bord d’un précipice, entre espoir et désespoir, à l’écoute du morceau.

Le clip réalisé pour l’occasion est une bonne illustration des influences du groupe, bercé par la new wave, où l’aspect ombrageux des décors n’est souvent qu’une façade, car derrière, il y a toujours de la lumière. Le groupe Hurts, formé de Theo Hutchcraft au chant et Adam Anderson au synthétiseur, soigne depuis ses débuts le visuel associé à ses productions.

Pour le clip de Wonderful Life, le groupe a posé le décor dans une villa moderne avec piscine, accompagnés de sept danseuses vêtues de noir, portant toutes une voilette noire. Elles déambulent de manière assez déstructurée quand intervient le refrain. Un homme à lunettes, visiblement en plein désarroi, est quant à lui positionné à l’écart de tous, symbole de la solitude dans laquelle il se trouve, tandis que la photo d’une femme flottant dans la piscine intrigue.

Quand le pont musical intervient aux trois quarts du morceau, qui rappelle effrontément les grandes heures de Roxy Music, les sept danseuses présentes en contrebas de la villa sautent une à une dans la piscine et commencent à effectuer un ballet aquatique. Le spectateur se retrouve alors plongé dans un état extatique.

L’homme isolé vient alors se recueillir près de l’eau, confronté au chagrin que causerait sa disparition ou celle de la femme qu’il vient de rencontrer, et pour qui, au final, il éprouvait quelque chose. La peine est représentée ici par les danseuses qui s’ébattent dans l’eau, l’amenant à reconsidérer son état. La vie pourrait être merveilleuse s’il n’abandonnait pas et s’il donnait une chance à cette femme.

Un message qui reste en suspens. Le dernier plan montre l’homme à lunettes seul, au loin, sur le balcon, libre de son destin. Le flou est maintenu jusqu’au bout du morceau. Mais l’espoir, lui, est toujours bien présent.

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Wonderful Life
(single – 2010)

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Happiness
(album – 2010)

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Le clip :

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Nom de l’album : Bedroom Crimes
Artiste : Oren Lavie
Date de sortie : 12 mai 2017
Genre musical : Pop / Chanson française / Jazz / Musique classique
Le site officiel d’Oren Lavie : https://www.orenlavie.com/

Bedroom Crimes – Mon avis sur l’album d’Oren Lavie :

Bedroom Crimes est le second album d’Oren Lavie, chanteur, compositeur et metteur en scène israélien, qui s’est fait connaître sur Internet en 2009 avec son titre Her Morning Elegance. Il fut d’ailleurs nommé aux Grammy Awards pour ce titre.

Avec ce nouvel opus, sorti le 12 mai 2017, Oren Lavie a créé l’événement en demandant à Vanessa Paradis de venir le rejoindre le temps d’un duo sur le morceau Did You Really Say No, et c’est une réussite. Vanessa Paradis a aussitôt répondu positivement à la proposition faite par l’artiste. C’est dire à quel point elle était emballée. C’est une jolie rencontre, et leurs voix respectives se marient à merveille.

Dépourvue d’artifice, la musique d’Oren Lavie, où le piano est mis en avant, va à l’essentiel. Ses textes poétiques viennent se glisser avec aisance et fluidité sur des mélodies tantôt enlevées, tantôt mélancoliques. Le chanteur à la voix chaude nous propose, voire nous susurre à l’oreille, quelques confidences plutôt intimes.

L’atmosphère du disque est plutôt sentimentale. Trois sonates en ce sens viennent d’ailleurs ponctuer cet album d’une profondeur certaine, délicatement orchestré par quelques violons disséminés sur certains titres et des arrangements jazzy qui apportent un côté plutôt sexy et élégant à l’ensemble.

Ce second album d’Oren Lavie est une agréable surprise. Séduits par la délicatesse de son univers, nous vous conseillons de passer l’automne en sa compagnie. Il apportera une douceur agréable à votre quotidien, c’est certain.

Tracklist de Bedroom Crimes :

1. Did You Really Say No – featuring Vanessa Paradis – 4:15
2. Breathing Fine – 4:18
3. Second Hand Lovers – 3:56
4. Look At Her Go – 4:02
5. Sonata Sentimental # 1 / You’ve Changed – 2:34
6. The Passion Song – 4:36
7. Sonata Sentimental # 2 / Bedroom Crimes – 2:58
8. Something Real / Do You Feel It Too ? – 3 :39
9. Autopsie Report – 4:23
10. Sonata Sentimental #3 /I Dream Of The Water Woman – 3:06
11. Note To Self – 5:07
12. The Morning Elegance – 3:36

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Bedroom Crimes
(2017)

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Les clips :

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Nom de la tournée : Global Spirit Tour
Groupe : Depeche Mode
Lieu du concert : Le Stade de France
Date du concert : 1er juillet 2017
Le site officiel de Depeche Mode : https://www.depechemode.com/

Global Spirit Tour : Depeche Mode enflamme de Stade de France !

Ils sont venus nombreux au Stade de France, les admirateurs du plus célèbre groupe de la scène new wave des années 80, Depeche Mode. En effet, pour célébrer la sortie de leur 14ᵉ album, paru le 17 mars dernier, Depeche Mode a lancé, le 5 mai 2017, leur Global Spirit Tour à Stockholm, qui a fait escale le 1ᵉʳ juillet à Paris. Habitués des lieux, puisque le groupe y a déjà joué lors de ses deux précédentes tournées, c’est à 21 h 00 tapantes que le trio de Basildon fait son entrée sur scène.

Les célèbres Martin L. Gore et Andy Fletcher se présentent sur scène, accompagnés d’autres musiciens recrutés pour l’occasion. Ne manque plus que le célèbre et charismatique Dave Gahan, qui, vêtu d’une veste rouge, fait enfin son apparition sur scène, plus haut, sur une estrade.

Le groupe débute le concert avec son dernier single en date, Going Backwards. C’est une habitude chez Depeche Mode de débuter leurs shows avec leurs nouveaux morceaux et de chauffer l’ambiance progressivement. À peine la seconde chanson, So Much Love, terminée, le chanteur Dave Gahan tombe déjà la veste et commence à ensorceler le public. Moulé dans un gilet pailleté, il arpente la scène de long en large, tout en gesticulant, comme à son habitude.

Il est à présent l’heure de retourner 20 ans en arrière, et les fans sont ravis d’entendre les premières notes du titre Barrel of a Gun, tiré de l’album Ultra, sorti en 1997, alors que le groupe vivait l’une des périodes les plus sombres de toute sa carrière.

Fort heureusement, le groupe a réussi à passer ce cap et à remonter la pente pour aller de l’avant, et le titre A Pain That I’m Used To, second extrait de Playing the Angel, sorti en 2005, est là pour nous le prouver. Un son de basse enragé vient réveiller le Stade de France dans une version plus club que la version studio. Totalement en adéquation avec ce titre, Corrupt, un autre morceau extrait de leur dernier disque, vient ensuite. Le public apprécie. Arrive enfin In Your Room, qui se veut plus joueur et érotique que d’habitude, avec sur les écrans géants une femme et un homme se lançant dans une danse sensuelle et langoureuse.

L’heure de la période old school a sonné, et World in My Eyes vient réveiller les esprits, faisant resurgir les souvenirs de l’époque bénie de Violator. Le jeu de synthé de l’époque fait des merveilles. Les fans sont aux anges, et ce n’est que le début. Car arrive bientôt le moment tant attendu où Martin L. Gore prend le micro pour interpréter, seul au piano, une version inspirée du titre Judas, magnifique ballade tirée de leur album Songs of Faith and Devotion. Le public est ravi et reprend le refrain « If you want my love » à la fin du morceau, pendant plusieurs minutes.

Il poursuit avec Home, dans une version plus rock que l’originale, et invite le public à reprendre en chœur avec lui. Un public qui ne se fait pas prier. Après cette petite parenthèse, Dave Gahan revient sur scène, encore plus énergique qu’auparavant, et forme avec ses doigts un petit cœur pour montrer aux spectateurs combien il les aime avant de lancer un « Paris, you’re the best! ».

Puis, une paire de jambes rouge et blanche apparaît sur les écrans sur scène. Dave Gahan, du haut de son estrade, scande à l’assemblée « Where’s the Revolution? » et demande au public de lui montrer ses mains. La révolution continue en musique, et le groupe nous alerte d’une attaque imminente : une sirène d’alarme retentit dans le stade. Les fans ont du mal à y croire, mais il semblerait que Depeche Mode ait décidé d’exhumer un des titres de leur répertoire, qui n’a plus été joué depuis des années. Ce n’est pas un rêve, non, c’est bien Everything Counts !

Tout le monde se lève dans le stade pour reprendre en chœur avec le groupe les célèbres paroles de ce tube indémodable : « The grabbing hands, grab all they can, everything counts in large amounts… ». C’est l’euphorie dans le stade, et Dave Gahan, tout sourire aux lèvres, est heureux de tendre le micro au public.

La période nostalgie continue avec l’hypnotisant Stripped, issu de Black Celebration, et le tube interplanétaire Enjoy the Silence, curieusement accompagné cette fois-ci d’images de lapin, de cochon, de vache et de mouton sur les écrans vidéo. Une mise en scène surprenante, mais un excellent prétexte pour inciter les spectateurs à se lever de leurs sièges et à danser avec frénésie.

Les spectateurs ne sont pas près de s’asseoir, car, dans la foulée, arrive Never Let Me Down Again.

Le public danse et agite les mains de gauche à droite au rythme de la chanson, comme c’est devenu une tradition depuis 30 ans, lors du mythique concert au Rose Bowl Stadium de Pasadena, immortalisé dans la vidéo 101, pendant la légendaire tournée Tour for the Masses. Les bras levés des uns et des autres forment une vague humaine qui envahit le Stade de France. L’instant est magique, et le public en redemande. Il rappelle le groupe, qui s’éclipse rapidement de scène pour mieux revenir.

Le titre Somebody apparaît alors sur l’écran géant au milieu de la scène. Martin L. Gore se lance alors dans une magnifique interprétation de ce joyau des années 80. Le public est ému et écoute presque religieusement cette chanson, tandis que les briquets s’allument de part et d’autre du Stade de France.

Quoi de plus normal ? La chanson est bouleversante, simple et universelle, et parle de la recherche de notre âme sœur. Les paroles parlent d’elles-mêmes et touchent le cœur du public. Si bien que l’on observe bon nombre de spectateurs s’essuyer les yeux, une fois la chanson terminée. La séquence émotion se poursuit lorsque les premières notes de Heroes de David Bowie résonnent dans l’enceinte. Depeche Mode a décidé de rendre hommage au chanteur disparu, et c’est une réussite, un moment émouvant et d’une rare intensité.

Que le temps passe vite en si bonne compagnie ! Cela fait déjà près de 2 heures que le groupe est sur scène, et on aimerait que cette soirée ne s’arrête jamais. Pourtant, nous sommes proches de la fin du show, qui se termine en apothéose avec l’énergique et dévastateur Personal Jesus, où le public reprend une dernière fois avec son groupe favori les paroles de ce titre phare du répertoire de Depeche Mode.

Pari réussi, donc, pour le groupe, qui promet de revenir très bientôt en France sous les acclamations du public. Et pour tous ceux, hélas, qui n’ont pas eu la chance de les voir cette fois-ci, rassurez-vous, une séance de rattrapage est prévue en fin d’année, le 3 décembre prochain, à Paris, à l’AccorHotels Arena.

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Speak & Spell
(album – 1981)

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Global Spirit tour – Extraits du concert au Stade de France :

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Peter Gabriel est un auteur-compositeur-interprète britannique, né le 13 février 1950. Il débute sa carrière musicale en 1967 en tant que membre fondateur du groupe Genesis, où il occupe la place de chanteur, qu’il quittera en 1975, laissant la place vacante à Phil Collins. Producteur de disques par le biais de son label Real World, il est, depuis de nombreuses années, impliqué dans différentes associations humanitaires. Le magazine Time l’a nommé comme « l’une des 100 personnes les plus influentes de la planète » en 2008. Il est aussi membre d’honneur du Club de Budapest.

Après son départ du groupe, Peter Gabriel, suite à des tensions au sein du groupe dues à sa personnalité trop envahissante, commence à composer ses propres chansons. Solsbury Hill est le premier morceau à sortir et précède la sortie de son premier album, intitulé Car.

Composé de 9 titres, le premier album de Peter Gabriel s’appelait Peter Gabriel, mais il fut par la suite appelé Car, en référence à la pochette du disque représentant le chanteur au volant d’une voiture sous la pluie. L’album paraît en 1977 chez Charisma, on retrouve bien évidemment son premier tube Solsbury Hill, reflet de l’état d’esprit du chanteur au moment de sa séparation avec Genesis. Le disque est produit par Bob Ezrin, producteur de l’album de Lou Reed, Berlin. L’album reçoit le grand prix du disque de l’Académie Charles Cros en 1977.

Puis, dans la foulée, le chanteur publie l’année suivante l’album Scratch (La Déchirure), en référence à la couverture, qui n’est autre qu’une photo de l’artiste retouchée de manière à donner l’impression que ses doigts déchirent la couverture de l’album. Il est produit par Robert Fripp, principalement connu comme le fondateur du groupe de rock progressif King Crimson. Composé de 11 titres, cet album clôt la trilogie entamée par le producteur. La chanson Exposure, présente sur cet album, est une pièce composée par Robert Fripp qu’il proposera à Peter Gabriel pour son second opus.

Avec cet album, Peter Gabriel offre à son public une musique plus sombre et surtout des sonorités nouvelles, précurseur de la world music. À cette époque, il est un chanteur engagé avec des titres comme Games Without Frontiers, critique du nationalisme, ou le fameux Biko, titre hommage à Steve Biko, leader contre l’apartheid en Afrique du Sud, torturé et assassiné en 1977. Avec cet opus, le chanteur commence vraiment à se démarquer.

Le quatrième opus de Peter Gabriel, comme ses prédécesseurs, n’avait pas de nom, et le chanteur, par hasard, a décidé de lui donner le nom Security, en référence à l’enveloppe plastique qui apparaissait quand on ouvrait le disque pour la première fois. C’est à la demande de Geffen Records, sa maison de disques aux États-Unis, suite au départ de Peter Gabriel d’Atlantic Records, qu’il a été obligé de trouver un nom pour ses albums, la compagnie en exigeant un pour chacun d’eux. On retrouve sur cet album la chanson Shock the Monkey, sortie en single et qui remporta un certain succès auprès du public.

Plays Live est le cinquième album du chanteur et paraît en 1983. C’est son premier album live. Un double album composé de 16 chansons. La particularité de ce disque live est qu’il contient un inédit, le morceau I Go Swimming, réalisé au cours de sa tournée mondiale de 1980.

Ces quatre premiers disques du chanteur nous donnent un aperçu de son talent en tant qu’artiste solo, affranchi du groupe Genesis. Peter Gabriel parvient, avec ses différents enregistrements, à imposer un univers foisonnant d’originalité, où il laisse libre cours à son imagination. Un artiste hors norme, qui, quelques années plus tard, explosera dans les charts avec son album So, sorti en 1986. Un artiste que nous vous conseillons de découvrir ou de redécouvrir avec délectation.

Le site officiel de Peter Gabriel : https://petergabriel.com

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Car
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(1980)

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(1982)

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Plays Live
(1983)

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Sélection de clips des débuts de l’artiste :

L’article Peter Gabriel : Reportage sur les débuts de l’artiste est apparu en premier sur STEPH 6128.