Titre : Lullaby
Titre original : Колыбельная
Compositeur : Isaak Dunaevsky
Date de sortie : 10 juillet 2025
Date de sortie du clip : 24 juillet 2025
Date de sortie du film : 1936
Le site officiel d’Alina Dunaevskaya : https://alina-dunaevskaya.com/

Sortie le 10 juillet 2025 sur les plateformes de streaming audio, Lullaby est une réinterprétation d’une composition d’Isaak Dunaevsky, le grand-père d’Alina.

Isaak Dunaevsky est un grand compositeur de l’ère soviétique, né le 30 janvier 1900 à Lokhvitsia (Empire russe, aujourd’hui située en Ukraine) et mort le 25 juillet 1955 à Moscou. Issu d’une famille d’artistes, il devint un chef d’orchestre et un compositeur très renommé et extrêmement apprécié. Il reçut plusieurs médailles et distinctions, et fut même surnommé le Mozart russe. En 1936, il composa la musique du film Circus (Цирк), dont est issu le morceau Lullaby (Колыбельная en russe, ou Berceuse en français).

Réalisé par Grigori Alexandrov, le film est une comédie musicale qui raconte l’histoire de Marion Dixon, une femme blanche américaine ayant fui les États-Unis avec son enfant en raison de la ségrégation raciale, celui-ci étant né d’un père afro-américain. L’intrigue l’amène à se produire au Grand Cirque de Moscou, d’où le titre du film. C’est l’actrice Lyubov Orlova, très célèbre en Russie, qui interprète le personnage de Marion Dixon, dont le nom est inspiré de Marlène Dietrich.

La scène dans laquelle Lullaby est interprétée dans le film est un moment très poignant, durant lequel l’héroïne chante une berceuse à son enfant pour l’apaiser. C’est tout naturellement qu’Alina a souhaité à la fois rendre hommage à son grand-père et célébrer la naissance de son fils, Louis-Isaak, né le 10 février 2025, en réinterprétant ce classique.

Les plus assidus se souviendront peut-être que Lullaby avait déjà été partagée sur les réseaux d’Alina il y a quelques années, mais sans jamais sortir officiellement sur les plateformes. Par ailleurs, la version diffusée aujourd’hui a été remasterisée.

Inspirée de l’esthétique des affiches de films soviétiques des années 1930, la pochette de Lullaby fait directement référence au film Circus. On y retrouve divers éléments présents sur l’affiche originale : les lions, le thème du cirque, l’héroïne au centre… Le chef d’orchestre représenté en bas, au centre de l’image, est bien entendu un clin d’œil à Isaak Dunaevsky. La typographie a également été choisie en référence à celle de l’affiche du film, et l’on y voit les photos en noir et blanc d’Alina et de son grand-père, concrétisant le lien filial et artistique entre les deux musiciens.

Pour accompagner la sortie officielle de Lullaby, un clip intimiste et fait maison a été réalisé. Il est composé d’images live d’Alina interprétant la chanson, mais aussi de scènes de vie représentant la maternité, le monde de l’enfance et l’héritage familial.

La femme qui apparaît sur les photos de l’album familial est Zoya Pashkova, danseuse et artiste, compagne d’Isaak Dunaevsky et grand-mère d’Alina. Ses photos ont été animées grâce à Deep Nostalgia Ai, un outil proposé par la société MyHeritage permettant de redonner vie à de vieilles photos de famille. L’idée était de lui rendre hommage également et de symboliser une certaine transmission familiale à travers les générations.

Une autre scène montre des jouets qui s’animent grâce à la technique du stop motion. Celle-ci représente l’imaginaire de l’enfance tout en rendant hommage à l’une des plus anciennes techniques d’effets spéciaux du cinéma.

Bien entendu, c’est Louis-Isaak lui-même qui interprète en exclusivité mondiale son propre rôle dans les bras d’Alina. Ces images ont été captées alors qu’il avait entre deux et trois mois, et il a déjà bien grandi depuis !

Le clip est disponible dès à présent sur YouTube.

Le clip :

Traduction des paroles de Lullaby :

Dors, mon petit garçon, doucement, doucement
Dors, mon oisillon, dors, mon bébé
Les jouets dorment, les petits chevaux dorment
Toi seul, tu ne dors pas encore
La lune a déjà jeté un regard à la fenêtre
Quand mon petit trésor s’endormira-t-il ?
Dors, mon petit garçon, dors, mon petit lapin,
Baiou, baiou, baï
La lune erre haut dans le ciel
Les étoiles brillent au loin
Dans cette lumière bleue, si bleue
Où il n’y a ni larmes ni douleur
Le cœur voudrait s’envoler loin du malheur
Les étoiles brillent très haut
Je cacherai mes larmes très profondément
Si je pouvais atteindre de la main
Votre paisible lumière argentée
Les étoiles très loin
Dors, mon petit garçon, endors-toi
Ferme bien tes petits yeux
Dors, mon petit garçon, baiouchki-baiou

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A Perfect Lie
(Alina Dunaevskaya & Markize – 2012)

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Transparence
(Alina Dunaevskaya & Markize – réédition 2009)

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Lullaby sur les plateforme de streaming :

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Titre : Wonderful Life
Groupe : Hurts
Date de sortie : 3 mai 2010
Genre musical : Synthpop / new Wave
Le site officiel de Hurts : https://informationhurts.com/

Wonderful Life – Mon avis sur le single de Hurts :

Le groupe Hurts vient de sortir un nouvel album fin septembre. Un petit retour en arrière nous a donc semblé utile, en revenant sur un de leurs premiers tubes, Wonderful Life, qui a véritablement fait décoller leur carrière.

Présent sur leur premier album Happiness paru en 2010, la chanson Wonderful Life parle d’une femme qui fait la connaissance d’un homme un soir sur un pont, sur le point de commettre l’irréparable, et qui en tombe visiblement amoureuse, alors que ce dernier la rejette. Elle lui fait comprendre qu’il ne doit pas renoncer et que la vie peut être merveilleuse s’il continue d’y croire.

Un message plutôt positif, Wonderful Life étant martelé à l’infini tout au long de la chanson. Il est intéressant de constater que sur ce morceau, des sentiments opposés se côtoient : l’auditeur marche comme au bord d’un précipice, entre espoir et désespoir, à l’écoute du morceau.

Le clip réalisé pour l’occasion est une bonne illustration des influences du groupe, bercé par la new wave, où l’aspect ombrageux des décors n’est souvent qu’une façade, car derrière, il y a toujours de la lumière. Le groupe Hurts, formé de Theo Hutchcraft au chant et Adam Anderson au synthétiseur, soigne depuis ses débuts le visuel associé à ses productions.

Pour le clip de Wonderful Life, le groupe a posé le décor dans une villa moderne avec piscine, accompagnés de sept danseuses vêtues de noir, portant toutes une voilette noire. Elles déambulent de manière assez déstructurée quand intervient le refrain. Un homme à lunettes, visiblement en plein désarroi, est quant à lui positionné à l’écart de tous, symbole de la solitude dans laquelle il se trouve, tandis que la photo d’une femme flottant dans la piscine intrigue.

Quand le pont musical intervient aux trois quarts du morceau, qui rappelle effrontément les grandes heures de Roxy Music, les sept danseuses présentes en contrebas de la villa sautent une à une dans la piscine et commencent à effectuer un ballet aquatique. Le spectateur se retrouve alors plongé dans un état extatique.

L’homme isolé vient alors se recueillir près de l’eau, confronté au chagrin que causerait sa disparition ou celle de la femme qu’il vient de rencontrer, et pour qui, au final, il éprouvait quelque chose. La peine est représentée ici par les danseuses qui s’ébattent dans l’eau, l’amenant à reconsidérer son état. La vie pourrait être merveilleuse s’il n’abandonnait pas et s’il donnait une chance à cette femme.

Un message qui reste en suspens. Le dernier plan montre l’homme à lunettes seul, au loin, sur le balcon, libre de son destin. Le flou est maintenu jusqu’au bout du morceau. Mais l’espoir, lui, est toujours bien présent.

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Wonderful Life
(single – 2010)

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Happiness
(album – 2010)

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Le clip :

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Titre : Stay On These Roads
Groupe : a-ha
Extrait de l’album : Stay On These Roads
Date de sortie : 14 mars 1988
Le site officiel de A-ha : https://a-ha.com

Stay On These Roads – Mon avis sur le single de a-ha :

Stay On These Roads est le premier extrait du troisième album du même nom, du groupe norvégien a-ha. Il paraît au printemps 1988 et vient soutenir le succès grandissant du groupe, rendu célèbre grâce au hit Take On Me, titre phare des années 80, que tout le monde connaît. La chanson parle de la difficulté d’un homme et d’une femme à se retrouver, car les péripéties de la vie ne cessent de les éloigner l’un de l’autre.
Le froid, comme il en est fait mention dans la chanson, a une voix qui vient régulièrement aux oreilles du narrateur, le chanteur du groupe, Morten Harket, dans cette histoire. Elle ne cesse de semer le doute dans l’esprit des deux personnes, paralysant toute avancée vers leur rencontre. Symbole de l’hésitation, probablement, elle paralyse toute action. Pourtant, l’espoir est là, intervient au moment du refrain et nous invite à rester sur ces routes où la rencontre peut avoir lieu.
Stay On These Roads est une chanson d’espoir, qui invite à croire que l’amour entre deux êtres est possible et que la joie qui en découlera n’est pas une utopie. a-ha continue donc à surfer avec ce morceau sur la vague romantique amorcée avec le titre Hunting High And Low en 1985, séduisant un public féminin de plus en plus large.
Ce morceau fut numéro 3 du hit-parade français en 1988, numéro 7 en Allemagne et rencontra le succès principalement en Europe, plus qu’aux États-Unis. Il fut d’ailleurs le 4ᵉ numéro 1 du groupe en Norvège.
Le clip de la chanson fut réalisé par Russell Morahan, le réalisateur d’Highlander 3, avec Christophe Lambert. C’est à lui qu’on doit la vidéo de Never Can Say Goodbye du groupe Communards, celles de Mandela Day ou Belfast Child du groupe Simple Minds, ou encore celles de Wham (Wake Me Up Before You Go-Go) et de I Want Your Sex, du très regretté George Michael, auquel nous consacrerons très prochainement une chronique spéciale.

Tracklist de Stay On These Roads version 7″ UK :

1. Stay On These Road (Album version ) – 4:46
2. Soft Rain of April (Original Mix) – 3:18

Tracklist de la version 12″ UK :

1. Stay On These Road (Extended Remix ) – 6:08
2. Soft Rain of April (Original Mix) – 3:18

Tracklist de la version CD UK  :

1. Stay On These Road (Extended Remix ) – 6:08
2. Soft Rain of April (Original Mix) – 3:18
3. Take On Me – 3:50
4. Cry Wolf – 4:05

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Stay On These Roads
(single – 1988)

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Stay On These Roads
(album – 1988)

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Le clip :

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Titre : Games Without Frontiers
Artiste : Peter Gabriel
Date de sortie : 9 février 1980
Genre musical : Rock expérimental / New Wave
Le site officiel de Peter Gabriel : https://petergabriel.com

Games Without Frontiers – Mon avis sur le single de Peter Gabriel :

Games Without Frontiers (Jeux Sans Frontières) est une chanson écrite, composée et interprétée par Peter Gabriel. Elle est tirée de son troisième album Melt. La chanteuse Kate Bush interprète les chœurs sur ce morceau. Le titre est vu par les spécialistes comme une critique du nationalisme et de la guerre.

Quand la chanson sort en single, le 9 février 1980, Peter Gabriel est contraint d’en modifier les paroles : « Whistling tunes we piss on the goons in the jungle » fut remplacé par « Whistling tunes we kiss on the baboons in the jungle » (en sifflant des chansons, nous embrassons des babouins dans la jungle).

Le nom Lin Daiyu, qui apparaît dans la chanson, est celui d’un personnage de l’histoire chinoise classique Dream of the Red Chamber.

La fin du premier couplet fait référence à Hitler et Enrico Fermi : « Suki plays with Leo, Sacha plays with Brit; Adolf builds a bonfire, Enrico plays with it. » Hitler a démarré la Seconde Guerre mondiale, et le réacteur nucléaire de Fermi a permis la création des bombes qui ont explosé au Japon.

Cette chanson est l’un des grands succès du chanteur, bien avant le tube Sledgehammer en 1986.

Une version allemande de ce titre existe, extraite de l’album Ein Deutsches Album, paru en Allemagne en 1980. Le single fut classé 4ᵉ du Top Singles au Royaume-Uni et 48ᵉ du Billboard Hot 100. N’étant absolument pas commercial, il se contenta d’une 56ᵉ place au hit-parade français.

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Games Without Frontiers
(single – 1980)

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Melt
(album – 1980)

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Le clip :

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Titre : Come Undone
Extrait de l’album : Duran Duran
Groupe : Duran Duran
Date de sortie : 29 mars 1993
Genre musical : Pop / Rock
Le site officiel de Duran Duran : https://duranduran.com/

Come Undone – Mon avis sur le single de Duran Duran :

Come Undone est un titre du groupe britannique Duran Duran, paru en single en 1993. Il est extrait de l’album éponyme Duran Duran, également connu sous le nom The Wedding Album. Second extrait de l’album, il succède à Ordinary World et voit le groupe retrouver le haut des hits-parades après un léger passage à vide.

Le clip de Come Undone est conçu par Julien Temple, un réalisateur de films, documentaires et clips vidéo. On lui doit un des premiers clips de Depeche Mode, See You, en 1982, et également Absolute Beginners de David Bowie en 1986.

Les paroles de la chanson ont été écrites par le chanteur Simon Le Bon pour sa femme.

Le clip est filmé au Sea Life Aquarium de Londres et voit évoluer les membres du groupe derrière une multitude de poissons et d’animaux aquatiques, ce qui est logique étant donné le lieu. Les images de l’emprisonnement et de la libération sont très présentes dans la vidéo. On voit par exemple une femme déguisée en sirène, attachée au début du clip par des chaînes dans l’eau, prisonnière. Des images d’autodestruction, de descente aux enfers, et d’une autre femme d’apparence sportive qui marie l’alcool à ses jus de fruits survitaminés. L’effondrement de l’identité de l’homme qui se déguise en femme est aussi représenté.

Il est intéressant de constater que, dans tout ce naufrage des apparences, l’image d’un couple perdure cependant : plus âgé, assis sur un banc, entouré par les eaux, il reste ensemble malgré le danger. Le réalisateur a traduit en images tout un kaléidoscope émotionnel lié à l’amour, présenté sous différentes facettes.

La femme sirène parviendra à se libérer à la fin, symbole de la reprise en main de sa propre vie après s’être enchaînée à quelqu’un ou à quelque chose qui l’empêchait d’être elle-même. Il en est de même au final pour l’homme qui se travestit et se maquille devant un miroir. Symbole de perversion pour certains, volonté d’être soi-même pour d’autres, c’est avant tout l’idée de s’affirmer et de s’affranchir des conventions qui est mise en avant.

Boutique :

Come Undone
(single – 1993)

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The Wedding Album
(album – 1993)

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Le clip :

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Titre : Zitima Zois
Titre original : Ζήτημα Ζωής
Artiste : Sakis Rouvas
Date de sortie : 14 février 2017
Genre musical : Pop / Rock
Le site officiel de Sakis Rouvas : http://www.sakisrouvas.com/

Zitima Zois : Mon avis sur le single de Sakis Rouvas :

Zitima Zois (Ζήτημα Ζωής) est le dernier single du chanteur grec Sakis Rouvas, très célèbre en Grèce, mais pour ainsi dire inconnu en France.

En 2003, il tente une percée chez nous avec les titres Ola Kala ou encore Disco Girl, mais ne parvient pas à conquérir le cœur de nos compatriotes français.

Un tort, car l’artiste, qui a débuté sa carrière il y a déjà 25 ans, est beaucoup plus moderne dans sa façon de mettre en scène sa musique que nous en France. Depuis ces dernières années, il faut dire que les titres de Sakis Rouvas se font rares, son dernier album, Parafora, datant de 2010. Les fans sont aux aguets.

Cette fois-ci, le chanteur nous revient avec un titre alliant guitare sèche et violons, qui est assez original. Il est agréable de constater que, plus les années passent, plus l’homme nous propose des titres de qualité, propres à sa maturité, bien éloignés des clips où il mettait beaucoup en avant son physique d’athlète.

Car il ne faut pas oublier que ce dernier, avant d’entreprendre une carrière dans la chanson, était aussi un sportif accompli. Le clip en noir et blanc nous laisse découvrir un Sakis Rouvas seul dans un appartement. Assis, il entonne sa chanson, la guitare à la main, avec sobriété. Sans artifice, la magie opère et la langue grecque fait des merveilles.

On ne sait pas si ce titre est annonciateur d’un futur album à venir. Nous menons l’enquête et vous tiendrons informés de l’actualité de Sakis Rouvas très prochainement.

Le clip :

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Titre : The Great Beyond
Groupe : R.E.M.
genre musical : Rock alternatif
Date de sortie : 16 novembre 1999
Le site officiel de R.E.M. : https://remhq.com/

The Great Beyond : Mon avis sur le single de R.E.M. :

The Great Beyond est une chanson du groupe américain R.E.M. qui ne figure sur aucun album du groupe, car le titre a été spécialement écrit pour le film Man on the Moon, sorti en 1999.

Sortie en single l’année suivante pour promouvoir la bande originale du film, la chanson parvint à se hisser à la 3e place du hit-parade anglais en janvier 2000.

La chanson fut nominée aux Grammy Awards pour « Best Song Written for a Motion Picture ».

Le clip a été réalisé par Liz Friedlander. Il contient à l’origine des scènes de tournage de Jim Carrey en tant qu’Andy Kaufman, bien que pour le DVD In View, qui accompagne la compilation In Time et qui contient les meilleures vidéos du groupe entre 1988 et 2003, le clip ait été refait et contienne des scènes archivées d’Andy Kaufman lui-même (similaires aux vidéos du film).

La version originale du clip est présente dans le DVD de Man on the Moon.

Le clip a été nommé pour deux MTV Video Music Awards, dans les catégories « Best Video from a Film » (Meilleur clip pour un film) et « Best Editing ».

Tracklist de The Great Beyond version US (cassette et CD) :

1. The Great Beyond (Radio Edit) – 4:14
2. Man on the Moon – 5:24

Tracklist de la version UK :

1. The Great Beyond (Radio Edit) – 4:14
2. Everybody Hurts (Live) – 6:20
3. The One I Love (Live) – 3:10

Tracklist de la version Maxi-CD :

1. The Great Beyond (radio edit) – 4:14
2. The One I Love ( Live) – 3:10
3. Everybody Hurts (Live) – 6:20
4. Man on the Moon (Live) – 5:24

Boutique :

The Great Beyond
(single – 1999)

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Man On The Moon
(film – 1999)

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Le clip :

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Titre : The Look of Love
Artiste : Madonna
Date de sortie : 25 novembre 1987
Genre musical : Pop
Le site officiel de Madonna : https://www.madonna.com/

The Look of Love – Mon avis sur le single de Madonna :

The Look of Love est une ballade composée par Madonna pour le film Who’s That Girl, dans lequel elle tient le rôle principal et qui fait partie de la bande originale.

En 1986, Madonna joue dans son troisième film : Who’s That Girl, connu à l’époque sous le nom de Slammer. Ayant besoin de chansons pour la bande originale du film, elle contacte Patrick Léonard et Stephen Bray, qui ont écrit et produit son troisième album studio, True Blue, sorti la même année.

Elle leur demande une chanson entraînante et une autre plus sérieuse. Elle se rend en studio et développe le refrain avec Patrick Léonard sur une chanson. Celui-ci lui remet l’enregistrement car il travaille sur d’autres parties ; à elle de terminer la mélodie et les paroles de la chanson. Cela donne un morceau entraînant, Who’s That Girl, le premier single de la bande originale. Quant à la chanson sérieuse réclamée par la star, elle est écrite et produite une journée après et devient The Look of Love.

Madonna demande au producteur Patrick Léonard de composer une chanson reflétant le caractère de son personnage.

La star s’inspire du regard que l’acteur James Stewart lance à Grace Kelly dans le film Fenêtre sur cour. À ce sujet, elle déclare : « Je ne peux pas la décrire, mais c’est la façon dont je veux que quelqu’un me regarde quand il m’aime. C’est le regard le plus pur de l’amour et de l’adoration. Comme le désespoir, c’est dévastateur. »

Les percussions constituent l’instrumentation principale de The Look of Love. Appréciée des critiques, qui la considèrent d’une vérité poignante, elle est vue comme le « joyau » de l’album.

Madonna l’interprète seulement lors du Who’s That Girl Tour en 1987. Durant sa prestation, Madonna semble perdue sur scène, comme son personnage dans le film.

Le caractère hypnotique de la chanson et la douceur de Madonna en font l’un des moments les plus poignants de la bande originale. John Evan Seery, auteur de Political Theory for Mortals: Shades of Justice, Images of Death, pense que la chanson représente le « thème du regard » de Madonna. Jay Boyar, du Orlando Sentinel, loue la chanson et dit : « Madonna apporte un chagrin chaleureux dans The Look of Love ».

Tracklist de la version Vinyle 33 tours :

1. The Look of Love (Version album) – 4:01
2. I Know It (Version album) – 4:12

Tracklist de la version vinyle 45 tours :

1. The Look of Love – 4:01
2. I Know It – 4:12
3. Love Don’t Live Here Anymore – 5:09

Tracklist de la réédition CD :

1. The Look of Love – 4:01
2. Love Don’t Live Here Anymore – 5:09
3. I Know It – 4:12

Boutique :

The Look of Love
(single – 1987)

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Who’s That Girl?
(bande originale – 1987)

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Who’s That Girl?
(film – 1987)

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Madonna
(album – 1983)

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Like a Virgin
(album – 1984)

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Bedtime Stories
(album – 1986)

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Who’s That Girl
(bande originale du film – 1987)

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You Can Dance
(compilation – 1987)

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Like a Prayer
(album – 1989)

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The Immaculate Collection
(compilation – 1990)

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Erotica
(album – 1992)

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Bedtime Stories
(album – 1994)

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Something to Remember
(compilation – 1995)

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Evita
(bande originale du film – 1996)

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Ray of Light
(album – 1998)

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Music
(album – 2000)

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GHV2
(compilation – 2001)

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American Life
(album – 2003)

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Remixed & Revisited
(compilation – 2003)

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Confessions on a Dance Floor
(album – 2005)

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I’m Going to Tell You a Secret
(live / documentaire CD + DVD – 2006)

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The Confessions Tour
(album live CD + DVD – 2007)

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(album – 2008)

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Sticky & Sweet Tour
(album live – 2010)

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Celebration
(compilation – 2009)

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MDNA
(album – 2012)

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Rebel Heart
(album – 2015)

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Rebel Heart Tour
(album live – 2017)

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Madame X
(album – 2019)

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Madame X – Music from the Theater Xperience
(album live – 2021)

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Le clip :

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Titre : Love Don’t Live Here Anymore
Artiste : Madonna
Date de sortie : 18 mars 1996
Genre musical : Pop
Site officiel de Madonna : https://www.madonna.com/

Notes :

Une première version était présente sur l’album Like a Virgin sorti en 1984.

Une nouvelle version est sortie en 1995 sur la compilation Something to Remember.

Le single issu de cette compilation est sorti le 18 mars 1996.

Love Don’t Live Here Anymore – Mon avis sur la reprise de Madonna :

Love Don’t Live Here Anymore est une chanson écrite par Miles Gregory et interprétée par Madonna, à l’origine enregistrée par Rose Royce.

Elle a été produite par le célèbre auteur et producteur de la Motown, Norman Whitfield, pour Whitfield Records. Dans sa version originale, la partie vocale principale est chantée par Gwen Dickey. La chanson est sortie en deuxième single de son troisième album studio, Rose Royce III: Strikes Again!

La chanson est le résultat de la collaboration du producteur Norman Whitfield avec Paul Buckmaster, l’arrangeur et compositeur britannique. Ils développèrent ensemble la chanson et demandèrent à l’auteur Miles Gregory d’en écrire les paroles.

Miles Gregory était sous traitement médical pour des problèmes de drogue à l’époque, et sa détérioration physique servit d’inspiration à la chanson. Love Don’t Live Here Anymore incorpore l’utilisation d’une boîte à rythmes Electronic LinnDrum et fut l’une des premières chansons à utiliser ce procédé de réverbération des instruments. La chanson fut principalement enregistrée dans la maison de Gene Bianco, où Gwen Dickey était présente durant les enregistrements.

Après sa sortie, la chanson fut bien appréciée par la critique, mais elle eut un succès modéré sur le plan commercial. Elle atteignit la 32ᵉ place au Billboard Hot 100 et la 5ᵉ place au Hot Black Singles Chart. Sa plus haute position fut au Royaume-Uni, où elle se classa en 2ᵉ position. Love Don’t Live Here Anymore a été reprise par de nombreux artistes comme Morrissey, Meli’sa Morgan, Faith Evans, Mary J. Blige et notamment par Madonna.

Sa version fut incluse dans son deuxième album studio, Like A Virgin (1984). Michael Ostin, le patron du département A&R de Warner Bros Records, eut l’idée que Madonna enregistre une reprise de Love Don’t Live Here Anymore pour l’album. Le titre fut également inclus dans sa compilation de ballades en 1995, Something to Remember, dans une version remixée.

L’originale et la version remixée de la chanson de Madonna diffèrent dans l’usage des instruments classiques pour la seconde. La version de 1995 fut remixée un certain nombre de fois pour les clubs.

Les critiques ne furent pas impressionnés par la version présente sur Like A Virgin, la qualifiant de « terrible », tandis qu’ils apprécièrent la version présente sur Something to Remember. Toutefois, ce fut une déception commerciale, le titre n’atteignant que la 78ᵉ place du Billboard Hot 100.

Le titre fut promu par une vidéo tournée par Jean-Baptiste Mondino, qui présente Madonna dans une suite vide d’un hôtel abandonné, filmée en une seule prise.

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Madonna
(album – 1983)

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Like a Virgin
(album – 1984)

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(album – 1986)

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Who’s That Girl
(bande originale du film – 1987)

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(compilation – 1987)

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(album – 1989)

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(album – 1992)

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(bande originale du film – 1996)

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(album – 1998)

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(album – 2000)

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(compilation – 2003)

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Le clip :

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Titre : Being Boring
Artiste : Pet Shop Boys
Date de sortie : 12 novembre 1990
Genre musical : Synth-pop
Site officiel des Pet Shop Boys : https://www.petshopboys.co.uk/

Being Boring – Mon avis sur le single des Pet Shop Boys :

Being Boring est le second extrait de Behaviour, le quatrième album du groupe anglais Pet Shop Boys, paru le 22 octobre 1990. La chanson Being Boring ouvre l’album et est très appréciée des fans, qui la citent souvent dans le palmarès des meilleurs titres du groupe.

Elle réussit avec brio à synthétiser, le temps de quelques minutes, le bien-être apporté par des fêtes entre amis. Le thème du morceau est multiple. Il parle de l’instant présent, de la joie de se retrouver ensemble, du bonheur de réunir des personnalités différentes, sans penser au lendemain.

Avec l’amusement pour leitmotiv, le clip en noir et blanc présente une variété de protagonistes très hétéroclites, avec la volonté farouche de ne « jamais se trouver ennuyants ». S’amuser, sans penser qu’un jour ou l’autre tout ceci prendra fin, fait écho aux fêtes données dans les années 20, avec Zelda Sayre, la muse de Francis Scott Fitzgerald, l’écrivain américain, auteur de Gatsby le Magnifique.

Mais derrière cette euphorie se cache une autre histoire, que le chanteur des Pet Shop Boys, Neil Tennant, tente d’exprimer à travers ce morceau. Lui, qui voit, au moment où le groupe commence à être populaire, un de ses amis découvrir qu’il est atteint du virus du sida, qui finira par l’emporter à l’orée des années 90.

Cette chanson parle aussi de cela, des personnes avec qui on a passé de bons moments, mais qui, un jour ou l’autre, ont disparu. Elle invite donc à se réjouir du moment présent, sachant qu’au bout du compte tout a une fin.

Being Boring sera immortalisée par un clip vidéo en noir et blanc, débutant par une citation de Zelda Sayre, derrière un homme nu sortant d’une piscine, suivi d’un défilé de personnages, tous réunis dans un but unique : faire la fête. Les membres du groupe n’apparaissent que furtivement dans la vidéo, au hasard des mouvements de la caméra.

Axl Rose, du groupe Guns N’ Roses, ne pourra cacher sa déception quand le groupe Pet Shop Boys omettra de chanter le titre lors de la tournée qui suivra la sortie de l’album.

Le titre We All Feel Better In The Dark est présent en face B du single.

Le clip vidéo :

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